Odet es una postituta tan vieja como el oficio más viejo del mundo, que, desde la pequeña habitación en la que cose ropa para las putas del puerto, nos conmueve con un testamento tierno y profundo sobra la libertad de elegir y la superación de los estigmas.
El surrealismo y sobre todo el humor es el vehículo que lleva a estas dos mujeres vestidas de rojo a hacer en el escenario lo que les da la gana y creérselo. A través de sketches, Marta y Lorena (Donas Moviles) pintan situaciones paradójicas llenas de comicidad. En ellas reflexionan sobre la condición femenina, sexo, política, pijerio… y ponen en tela de juicio los típicos clichés, riéndose hasta de su sombra.
Como remake de los 90 que es, no faltan las hombreras, la música de baile, ni los cigarritos en escena. Y como espectáculo de hoy, los vídeos virales de youtube, y la interacción con el público a través de los móviles también están presentes.
En sus proyectos demuestra siempre la pasión por la investigación, una capacidad titánica de trabajo y un poder creativo sobrecogedor, como así lo vemos en su obra «Involución».
Es capaz de dotar a cada ser humano esculpido de múltiples formas y aspectos psicológicos, sin duda, fruto de profundas reflexiones a partir de individuos sociales.
Su obra nos puede recordar a algunos de los grandes maestros de la escultura del pasado, pero no es comparable porque ella se nutre de la identidad propia e inconfundible del expresionismo figurativo contemporáneo. Así, el público se sitúa frente a un trabajo evolutivo de corpus único, abriendo exploraciones narrativas de la sociedad actual. Sus esculturas nos acercan a la “masa uniforme” en que se define la humanidad a través de los mass media. Hay un vacío interior que inunda la sociedad entera y es de vital importancia reconocerlo como propio para poder empezar a evolucionar como seres humanos. Vivimos en capitales donde se nos puede reconocer a través de nuestro rostro, nuestro iris, nuestras huellas… ¿Pero acaso nos reconocemos a nosotros mismos? ¿Somos capaces de reconocer a nuestros semejantes? La profundidad del Yo emerge en formato expresionista dentro de un relato que quiere denunciar esa falta de empatía, esa soledad plena de cosas que al final deja al ser humano indefenso ante la debacle y los intereses económicos.
En esta exposición, una vez más, María Gómez combina las técnicas del pasado y los materiales actuales. Desde el más profundo conocimiento anatómico -pues no recurre a moldes o medios tecnológicos actuales, ni tampoco a recursos estilísticos de fácil factura- es capaz de figurar en 3D el temperamento humano. Sus esculturas elevan la materia inerte con la que son realizadas a la categoría de “materia viva”.
Pelos de Paloma es una obra de danza contemporánea que también puede enmarcarse en la multidisciplinaridad. Presentamos una dramaturgia textual cruda y directa conjuntamente con coreografías que completan las frustraciones y vivencias de un sector que se replantea a sí mismo (el de la danza o las artes vivas) y que pretende replantear a las personas y colectivos ajenos a él. La claridad del lenguaje y la dramaturgia lineal se matiza con la poesía del movimiento para narrarnos de forma muy literal las preocupaciones del sector de la danza, y a su vez, replantear los discursos actuales en cualquier colectivo o individuo.
Las líneas de trabajo son las de secciones aisladas que pretenden ser congruentes con una estética canalla, directa, pero que no deja de haber nacido de una semilla sensible. La idea surge de la necesidad de manifestar un estado de indignación y acercar a públicos ajenos al mundo de la danza.
Cambiar la luz, poner un obstáculo en el camino, limpiar el espacio, cambiar de lugar un objeto, modificar la temperatura ambiente y la música que envuelve la escena, mostrar una sonrisa o dar un golpe sobre la mesa, pegar un grito o susurrar un gemido, tomarse un descanso, quedarse en silencio o responder con una simple mirada. Cualquiera de estas acciones pueden afectar en nuestra manera de reaccionar.
Todas las acciones, absolutamente todas, tienen repercusión en el otro.
¿Preparando la vuelta al cole?, ¿aún no tienes tu totebag?, ¿te gustaría personalizarla? Con motivo del inicio del nuevo curso escolar y para dar la bienvenida al mes de septiembre, durante la primera semana de este mes vuelve la actividad “PERSONALIZA LA TOTEBAG DEL CCCC!”.
Mediante la técnica del esténcil, como ya se ha ido trabajando en anteriores actividades, los participantes podrán diseñar y personalizar su propia bolsa.
Vivimos en época de yuxtaposición y mezcla de materiales, la cultura es la suma de muchos relatos. Te invitamos a reflexionar sobre el arte del presente, con plantillas preparadas con frases y símbolos para desarrollar tu creatividad.
Para esta ocasión se formarán dos grupos (los menores de edad deberán estar acompañados de un adulto), con una duración de una hora por grupo, con la intención de dar apoyo a los participantes para que obtengan los mejores resultados. Todos los materiales que necesitas estarán dispuestos sobre la mesa.
La obra de Isidro López-Aparicio, íntimamente ligada al compromiso humano y al activismo social, parte de procesos integrados en lo colectivo. Su amplia trayectoria como profesional de la cooperación en entornos de conflicto ha modulado la irreductible dimensión ética de sus propuestas artísticas. Las obras que se despliegan en esta exposición no son el mero resultado de su acción sobre distintos objetos; todas ellas responden a una entrada directa en escena, implicándose de lleno en la realidad y con el firme asidero del respeto hacia el «ecosistema humano» con el que establece el diálogo.
Son muchas las áreas de reflexión que se desarrollan en La misma sombra. Sin embargo, por la operatividad de esta breve presentación, el «argumento» expositivo podría sintetizarse en tres proposiciones como son la identidad, la frontera y la migración, y su tejido dentro del actual Orden Global. Para López-Aparicio, la clave reside en actuar de manera concreta —no solo conceptualmente— para poner en evidencia conflictos sociales de nuestra esfera pública: entre otros, la justificación de las desigualdades como daños colaterales de un supuesto progreso infinito; los retornos violentos del etnocentrismo y del autoritarismo como respuesta a las actuales presiones migratorias; o la hipocresía del amurallamiento tardomoderno, cuya ineficacia funcional lo convierte en una perversa performance del poder.
Con motivo del 50 aniversario de la Universitat Politècnica de València, el Centre del Carme acoge la exposición Medio Siglo que cont[arte], que ofrece al público la oportunidad de conocer el Fondo de Arte de la UPV, a través de 30 obras seleccionadas de entre las más de 3000 que componen la colección.
Esta muestra es fruto del trabajo conjunto de alumnos y profesores del Master Universitario en Gestión Cultural ofertado por la Universitat de València-Estudi General y la Universitat Politècnica de València. El trabajo se ha desarrollado en equipo y se ha dividido en siete grupos: Catálogo, Comunicación, Didáctica, Digitalización, Diseño expositivo, Gestión de obras y Protocolo, apoyados por los equipos de Docencia y Comisariado.
Una exposición oportuna en un edificio vinculado al Arte Contemporáneo y a la enseñanza de las Bellas Artes.
Norberto Pinti (Manuel Bandera) es un director, autor y productor que regenta una pequeña compañía portátil de variedades que se ganan la vida por los pueblos de España en giras lustrosas y populares. Tras veinte años de éxitos viviendo en el faranduleo nómada, descubren que los géneros que tocan empiezan a desfasarse.
Comienzan los noventa y España despega económicamente y mira a Europa y al futuro. Cuando se les cae una gira de verano, Norberto decide que deben renovarse o morir, el espectáculo está cambiando, hay que hacer teatro comprometido, arte de verdad, se acabaron las Varietes, las vedettes. Es tiempo de elevarse al arte.
Cuando Norberto decide montar con elevadas intenciones, la comedia sin título de Lorca, la compañía se dispersa y seguirán a Norberto solo cuatro de ellos , además de un domador de perros con vocación de cantante folclórico,Tino Velasco (Cayetano Fernández).
Viejo amigo Cicerón es una obra centrada en la figura del célebre orador romano, protagonista destacado de las intensas luchas y violentas transformaciones acaecidas en el siglo primero anterior a nuestra era. Cicerón personifica la integridad moral de quien mantiene la coherencia de sus convicciones políticas aún en las más adversas circunstancias.
El orador representa la defensa de la legalidad como valor moral frente a la degradación del sistema político, abocado, indefectiblemente, a fórmulas tiránicas de gobierno. Marco Tulio Cicerón se nos presenta como un político excepcional en un mundo de mezquinas ambiciones personales, deslealtades y pequeñas componendas tan propias de la vida pública desde entonces. Con todo, como es obvio, se trata de una obra de ficción; y si bien los acontecimientos narrados responden casi escrupulosamente a la realidad histórica, nos hemos permitido imaginar diálogos y situaciones entre los personajes a raíz de los hechos generales de los que da cuenta la crónica histórica.
La historia de Cicerón bien podría resumirse como la de un hombre íntegro que se resistió activamente al inevitable derrumbe de todo un sistema enarbolando, reiteramos, la bandera de la legalidad como supremo valor moral.
El viernes, 13 de marzo, a las 20:00 horas, se inaugura en Bombas Gens Centre d’Art la exposición ‘Infraleve’, de Inma Femenía. Esta es el resultado de la investigación de la artista en torno a la percepción determinada por los medios digitales y la experiencia resultante sobre la realidad física.
Una percepción que modifica la apariencia de las formas y que Femenía trata de plasmar mediante la utilización de distintas superficies. La artista se aproxima a lo que se consideran los límites de lo perceptible, ampliándolos hasta ubicarse en su umbral y revelar nuevos modos de percepción, determinados por la luz de las pantallas y su reflexión momentánea en los objetos.
La pixelación, el deterioro y la disolución de las imágenes en nuestras pantallas son el eco de una realidad que se desvanece y se reconfigura como en un teatro de sombras. Este acercamiento “digital” nos retrae al concepto de lo ”infraleve” de Marcel Duchamp: momentos relacionados con el cuerpo físico y el espacio, extraídos de la levedad de la vida cotidiana y en los que se hallaría la verdadera esencia del arte. Momentos como el calor de un asiento que se acaba de dejar, el sonido del roce de los pantalones al caminar, las caricias, un dibujo hecho con vapor de agua o con el aliento sobre una superficie pulida, espejo o vidrio.
La representación de plantas o formas vegetales ha sido una constante dentro de la historia de la fotografía. Han sido muchos los autores que -ya sea a partir de la botánica, la fotografía objetiva o la idea de archivo- han decidido dirigir su atención a las plantas. Esta exposición, entendida como un jardín, crea un relato visual a partir de una selección de obras de la colección Per Amor a l’Art, incluyendo artistas como Karl Blossfeldt, Imogen Cunningham Hans-Peter Feldmann, Jonas Mekas, Alessandra Spranzi o Pierre Verger, entre otros.