23 Festival de Jazz de Valencia
Jazzetjants con Niños
En cumplimiento de la normativa de seguridad y control de aforo, y de acuerdo con la ordenanza vigente, los menores de 3 años tienen que acceder al recinto con la entrada de pago correspondiente.
Concierto trasladado al Teatro El Musical TEME. Plaza del Rosario n.º 3. Valencia.
Por motivo de aforo, todas las entradas pasan a ser no numeradas.
23 Festival de Jazz Valencia
Kenny Barron Trío
Concierto trasladado al Teatro Principal. Calle Barcas n.º 15. Valencia.
Con once nominaciones a los Grammy y una carrera fulgurante desde sus inicios junto a Yusef Lateef, Dizzy Gillespie y Stan Getz hasta su consolidación como líder de sus propios grupos, el pianista Kenny Barron está considerado como un maestro de maestros del jazz de nuestros días: su lista de premios y distinciones es casi interminable e incluye el NEA Jazz Máster otorgado por la Fundación Nacional de las Artes de los Estados Unidos. Se presentará al frente de su trío regular, interpretando, entre otros temas, música de su aclamado disco «The Book Of Intuition».
23 Festival de Jazz Valencia
Perico Sambeat’s Electric Bath EnsembleDon Ellis Tributo
Concierto trasladado al Teatro El Musical TEME. Plaza del Rosario n.º 3. Valencia.
Por motivo de aforo, todas las entradas pasan a ser no numeradas.
El gran saxofonista Perico Sambeat presenta, al frente de un impresionante grupo de trece excelentes músicos de la Comunidad Valenciana, la obra de Don Ellis, uno de los grandes genios de la trompeta, compositor y director. Con el eje central de Electric Bath, la obra maestra de Ellis, gira un apasionante espectáculo en el que Perico Sambeat estará con Voro García, Pepe Zaragoza y David Martínez (trompetas), Latino Blanco (saxo barítono y flauta), Javier Vercher (saxo tenor, clarinete bajo y flauta), Toni Berenguer y Paco Soler (trombones), Alberto Palau (piano y teclados), Alas Cesarini (contrabajo), Dani Benedito (sitar), Sergio Martínez (percusión) y Miquel Asensio (batería).
23 Festival de Jazz Valencia
Melissa Aldana Quartet
Concierto trasladado al Teatro El Musical TEME. Plaza del Rosario n.º 3. Valencia.
Por motivo de aforo, todas las entradas pasan a ser no numeradas.
En 2013 se convirtió en la primera mujer instrumentista ganadora del Concurso Thelonious Monk. También ha recibido el premio Martin E. Segal de Jazz en el Lincoln Center. Tras el lanzamiento de dos cuartetos para el sello Osby’s Inner Circle, se centró en investigar las posibilidades del trío sin acordes y publicó “Back Hombre” que también lanza una mirada a sus raíces a través de las composiciones de Menares y Rueckert. “Back Hombre”, en palabras de Aldana “no está tan relacionado con Chile mismo… sino con la primera vez que toqué el saxo tenor y escuché a Sonny Rollins”.
23 Festival de Jazz València
Nes
Concierto trasladado al Teatro El Musical TEME. Plaza del Rosario n.º 3. València.
Por motivo de aforo, todas las entradas pasan a ser no numeradas.
NES es la unión de tres talentos: la cantante y violonchelista franco-argelina Nesrine Belmokh, el violonchelista francés Matthieu Saglio y el percusionista valenciano David Gadea. Sus canciones en inglés, árabe y francés navegan desde el jazz al soul, la música árabe o la canción francesa. Su primer disco “Ahlam” (‘sueño’ en árabe) ha recibido numerosos elogios de la crítica internacional: “Uno de los discos del año” (The Times), “Un disco con encanto inmediato” (Le Monde), “Un grupo de gran originalidad” (Songlines), “Ha llegado el momento de NES” (Deutschlandfunk).
Corredor bioacústico es una instalación sonora multifoco diseñada para el jardín de la Fundació Per Amor a l’Art que se presenta como territorio de conexión entre diversos paisajes vitales. La obra se compone de altavoces construidos a partir de damajuanas modificadas. Estos altavoces están ubicados a lo largo del jardín, dibujando una red sonidos que se entrelazan. El artista aborda la naturaleza del propio paisaje haciendo uso de lo audible y lo inaudible. Obtiene datos de la planta para componer también con lo que no se escucha, produciéndose un biofeedback que relaciona de manera directa la instalación con el jardín. Los sonidos son, en su mayoría, grabaciones de campo de espacios naturales, así como electrónica de audio digital e instrumentos musicales tradicionales. El viaje propuesto por el artista parte desde una conciencia espacio-temporal y corporal, con la finalidad de habilitar un lugar de reflexión y comunicación, de conectar con el origen, la naturaleza y la vida, de escuchas múltiples empáticas, de transitar la afectividad del lugar.
Luis López Casero. Saxofonista y clarinetista experimental, artista sonoro e improvisador. Cursa estudios de música clásica en el Conservatorio Profesional de música de Huelva y en el Conservatorio Profesional de Sevilla Cristóbal de Morales. Formado en jazz, música moderna y programación de audio. Ha estudiado Técnico Superior de sonido, encontrando en la tecnología un medio para capturar e incorporar el entorno a su lenguaje. Su modo de tocar parte de una conciencia de cuerpo presente, presentando su instrumento como dispositivo sonoro y como extensión del cuerpo. Además, trabaja la música desde otros lenguajes artísticos como la danza, el cine, la fotografía, el arte de acción y la instalación sonora, buscando expandir el concepto de música y de lo sonoro.
Inauguración de la exposición «Herencias. Las alquerías de la huerta de València», una muestra dedicada al mundo de las alquerías del extrarradio de València, lugar históricamente destinado a la huerta y el ganado.
Paloma Berrocal comisaria esta exposición centrada en estos emblemas de un modo de vida tradicional relacionado con la economía agraria, que fueron más que meras viviendas llegando a constituir, junto con las barracas, los edificios más emblemáticos de un paisaje cultural centenario.
Seguro que os habéis imaginado cómo se vivía en otras épocas, cómo eran las casas, qué comían y a qué jugaban… A través de la visita a la exposición «Herencias. Las alquerías de la huerta de Valencia», descubriremos objetos y hallazgos que nos ayudarán a recrear esas vidas pasadas, mientras que la bodega del s. XV nos permitirá pasear por una verdadera cápsula del tiempo.
Y, ¿habéis pensado cómo se imaginarán en el futuro vuestras vidas? ¿Qué les contaríais? ¿Qué queréis convertir en recuerdo? Os proponemos construir vuestra propia cápsula en la que meteremos todo aquello que queramos preservar para el futuro y aquellas cosas por las que queremos que se nos recuerde.
¿Cuál es el proceso de trabajo de los fotógrafos detrás de las obras de «La mirada de las cosas»? En este taller queremos conocerlo a través del experimento y lo haremos mediante de esas imágenes que guardamos pero que consideramos descartes.
Haremos un paralelismo con la explicitación que hace Moriyama al mostrar sus carretes, aquellos que contienen las fotografías que no salieron a la luz. Indagaremos sobre la idea del proceso, de lo que no consideramos y de lo que se queda fuera de nuestra selección, del error hecho prueba.
Nuestra galería del móvil es testigo de lo que pasó de largo y que ahora nos paramos a mirar detenidamente, modificando el tiempo de las imágenes en ráfaga. Proponemos pinear en superficie estática o líquida esta colección de imágenes que nos hablan de nuestros tiempos pixelados.
En esta visita guiada diseñada por Laura Pastor partiremos de las «miradas de las cosas» vividas, contadas, transmitidas. A partir de los conceptos que la Escuela Mono-ha investigaba: la materialidad de las cosas, los tiempos y los espacios que las rodean y nuestra relación con ellas. Durante la visita habrá ejercicios, visualizaciones y escuchas que nos permitirán conocer la reinterpretación, desde el presente, de las propias obras de Enokura Koji, uno de los miembros de esta Escuela de las cosas (Mono-ha).
«De carne y hueso, de sangre que recorre arriba y abajo nuestro cuerpo atravesamos las puertas de madera, de metal, de aceite que hace girar las juntas. La tela que ahora es piel, la pintura que ahora es superficie, todas juntas hacen ahora un reflejo conjunto que no nos permite vernos sino entrar a ser aquel animal erguido envuelto de la tiza blanca de las paredes de la fábrica, hoy con otros tintes.
Nuestra suela está marcada por el cemento, el mismo que sufrió la huella circular de aquella maquinaria que le dio forma.
-«Voy hacia ti», dice tu mano sobre el listón de madera que ya no se puede mover, fijado desde los 90 sobre el lienzo con su sombra pictórica, y que aquella desea extraer.
Tu mano y el listón.
La Escuela de las Cosas, la Escuela Mono-ha.
Tomando como inspiración esta Escuela de las cosas (Mono-ha) os proponemos reflexionar sobre la materialidad de los cuerpos que nos rodean y de los que somos parte, de los que les rodeaban y de los que eran parte. Nos aproximaremos a las obras desde nuestro presente a través de referencias visuales, sonoras, objetuales y corporales.
Nuestros vínculos son absorbidos por las cosas. Las cosas ahora están afectadas y pueden ser afectos. Pero… ¿Dónde están las cosas?»
Laura Pastor
«Esta conferencia analizará la dimensión narrativa de las imágenes, tanto en su circulación mediática como en el contexto artístico. A su vez, veremos el carácter igualmente narratológico de muchas de las prácticas artísticas contemporáneas a partir de algunos casos de estudio dentro de la colección Per Amor a l’Art. Todo ello tiene su origen en un vínculo ancestral entre los actos de representar y relatar. La capacidad para donar sentido a las cosas o a las imágenes tiene una naturaleza híbrida entre la recepción visual y la construcción lingüística. En ello residirá una significativa relación entre arte y literatura que se potencia en las tendencias más actuales. Estas dimensiones serán tomadas también como génesis de los relatos historiográficos más influyentes, así como de las estrategias de comisariado que pueden reconocerse en las exposiciones como formato habitual de recepción de las obras», Víctor del Río.
Actividad en el marco del taller (En) Proceso con Víctor del Río. Ensayo de una exposición, que se desarrollará de octubre a diciembre de 2019.
Víctor Del Río es investigador y ensayista, autor entre otras obras de los libros: La pieza huérfana (Consonni, 2015); La querella oculta. Jeff Wall y la crítica de la neovanguardia (El Desvelo, 2012); Factografía. Vanguardia y comunicación de masas (Abada, 2010) o Fotografía objeto. La superación de la estética del documento (Ediciones Universidad de Salamanca, 2008). Colaborador habitual de medios especializados en arte y cultura visual, ha dirigido como gestor y curador diversos proyectos para instituciones museísticas y centros de arte. Ha sido conservador jefe del Museo Patio Herreriano de Valladolid y es profesor de Teoría del Arte en la Universidad de Salamanca, así como en el Máster en Fotografía, Arte y Técnica de la Universitat Politècnica de València.
El trabajo de Mette Edvardsen se sitúa en el ámbito de la performance, como coreógrafa y performer. Aunque algunos de sus proyectos exploran otros medios y formatos, como el vídeo, los libros y la escritura, sostiene el interés en la relación que éstos mantienen con las artes performativas como práctica. Afincada en Bruselas desde 1996, ha trabajado durante años como bailarina y performer para multitud de compañías y proyectos, y ha desarrollado los suyos propios desde 2002.
«En los últimos años ha habido retorno al lenguaje en las prácticas estéticas y, en la danza y las disciplinas coreográficas, lenguaje, texto y escritura se han desarrollado de diferentes maneras dentro de nuestras formas de manifestación artística. Estoy interesada en el lenguaje y la escritura como parte de mi práctica artística, en la que la escritura es inherente al proceso, afectándolo desde dentro. Si hablamos de la coreografía, no estoy interesada en el lenguaje, el texto y la escritura como herramienta hacia otra disciplina o forma artística (teatro, literatura), sino como parte de mi propio campo de actuación (danza y coreografía). Trabajo con el lenguaje como material. Estoy interesada en cómo la realidad existe en el lenguaje y cómo se extiende al espacio real. Uso el lenguaje para crear espacios imaginarios y coreografías, y estoy interesada en cómo el lenguaje hablado relaciona el cuerpo con el espacio.
Compartiré materiales de diferentes trabajos que usaremos como punto de partida para pensar y hacer cosas en grupo».
Mette Edvardsen
Con proyección internacional, lleva a cabo proyectos con otros artistas, como colaboradora o como performer. En 2015, en Oslo, se presentó una retrospectiva de su trabajo en el teatro Black Box. Edvardsen tiene el apoyo de Norsk Kulturråd (2017 -2020), BUDA Arts Centre Kortrijk (2017 – 2020) y apap-Performing Europe 2020, un proyecto cofinanciado por el programa de la Unión Europea “Europa Creativa”. Actualmente investiga en la Academia Nacional de las Artes de Oslo y es artista asociada en el teatro Black Box de Oslo. En 2019-2021 forma parte como artista del centro coreográfico nacional de Caen (Normandía, Francia).
